“Um não sei quê, que nasce não sei onde,/Vem não sei como, e dói não sei porquê.” Luís de Camões

"Na dor lida sentem bem,/Não as duas que êle teve,/Mas só a que êles não têm." Fernando Pessoa

"Lividos astros,/Soidões lacustres.../Lemes e mastros.../E os alabastros/Dos balaustres!" Camilo Pessanha

"E eu estou feliz ainda./Mas faz-se tarde/e sei que é tempo de continuar." Helder Macedo

"Conchas, pedrinhas, pedacinhos de ossos..." Camilo Pessanha

“Vem, vagamente,/Vem, levemente,/Vem sozinha, solene, com as mãos caídas/Ao teu lado, vem” Álvaro de Campos

"Chove nela graça tanta/que dá graça à fermosura;/vai fermosa, e não segura." Luís de Camões

segunda-feira, 31 de outubro de 2016

Fuga épica

     Ao acompanhar, junto deles, com eles, os refugiados birmaneses da guerra civil no seu país, hoje Myanmar, que caminham a pé para a vizinha China, em "Ta'ang" (2016) Wang Bing faz a epopeia da minoria étnica que tem esse nome, um povo que, com os seus bens e pertences reduzidos ao essencial, percorre os caminhos mais inóspitos e agrestes da fronteira em busca de refúgio. E acompanha esses refugiados de muito perto durante a Primavera de 2015.
                      ta'ang doclisboa wang bing
  Habituados que estamos a epopeias bélicas de descoberta e conquista, surpreende-nos encontrar um equivalente desse sopro  de aventura e perigos na caminhada de um povo que foge da guerra que o ameaça. Com avanços e recuos no percurso, o cineasta demora-se na fronteira sino-birmanesa ou já em território chinês na companhia de grupos em que os membros respectivos se interessam uns pelos outros e praticam a entre-ajuda.
  Depois de uma abertura belíssima num acampamento de barracas, numa longa sequência nocturna só com mulheres em volta da fogueira ou à luz de uma simples vela, em plano médio elas falam longamente do seu passado, do seu presente e dos que lhes são próximos, com uma iluminação fabulosa resultante do fogo que arde ou da vela - e eu nunca vi noite assim.  
                      ta'ang doclisboa wang bing
    No dia que se segue estão de regresso os homens que medem e discutem o melhor rumo a seguir perante as ameaças de tiroteio próximo, e então os caminhos perdem-se montanha acima. Somos assim colocados perante a evidência do duríssimo mas solidário percurso, em diferentes momentos e espaços, desse povo, dos seus problemas e preocupações, frequentemente familiares.
   Daquele que é provavelmente o melhor documentarista vivo, pelo menos aquele que tem trabalhado condições humanas mais duras e penosas desde "West of the Tracks"/"Tie Xi Ou" (2003), este filme é uma absoluta obra-prima cinematográfica, do sopro épico dos humildes despojados de tudo que ele sabe filmar nos seus momentos de convívio, de palavra e de incerteza mas também de caminhada. Sem nos poupar nem se poupar a si próprio, Wang Bing trabalha na violência e na beleza do esforço humano, de cada um e do grupo, a vibração do pulsar humano. 
                      ta'ang doclisboa wang bing
      Sem nunca abandonar os refugiados e sem qualquer contraponto, o cineasta move-se com eles, entre eles, como se fosse um deles, que do mundo exterior apenas identificam a ameaça da guerra que se aproxima. Longe da civilização, perdidos na montanha, rumo a um destino em que esperam encontrar a segurança e a paz que não têm na sua terra. 
      Wang Bing só me tem chegado em sessões do DocLisboa, como este ano aconteceu, ou então no Arte. A estreia em Portugal de "A Fossa"/"Jiabiangou" (2010), o seu único filme de ficção até à data, que não é fácil, e de "Três Imãs"/"San zimei" (2012) no final do ano passado foi um desastre comercial. Ambos os filmes estão agora disponíveis em dvd - sobre este cineasta ver "Documentário épico", de 4 de Novembro de 2012.     

domingo, 30 de outubro de 2016

Escavar até ao fundo

     Num panorama cinematográfico pletórico de acontecimentos e iniciativas importantes em Lisboa, optei por um filme do sul-coreano Hong Sang-soo, "A nossa Sunhi"/"Our Sunhi"/"U ri Sunhi" (2013), inédito comercialmente em Portugal, porque é um cineasta que me interessa.
                      Our Sunhi (image 1)
    Trata-se de mais uma surpresa de um dos mais importantes cineastas actuais, um filme com poucas personagens que se vão encontrando sucessivamente umas com as outras nos mesmos locais: Sunhi/Yu-mi Jeong, que estuda cinema, Moon-soo/Sun-kyun Lee, seu antigo namorado que já fez um filme, Choi/Sang Jung Kim, antigo professor deles a quem a primeira pede uma carta de recomendação, e Jae-hak/Jae-yeong Jeong, um amigo comum.
    Tudo gira em volta da protagonista, como é bom de ver. O antigo namorado quer que ela volte para ele, o antigo professor quer que ela o aceite depois de o ter feito redigir uma segunda carta de recomendação (sempre em meia-hora), enquanto o amigo comum serve de ponto de contacto de todos, a quem faz as mesmas recomendações.
                      Our Sunhi (image 2)
    Dito assim parece um filme já conhecido de Hong-Sang-soo mas são as repetições dentro do mesmo filme e as variações em relação a outros que constituem o cerne e o mistério deste "A nossa Sunhi", enquanto o regresso da mesma música acompanha as recorrências da conversa num mesmo local. Embora pareça ser sempre o mesmo filme sobre o mesmo tema, são sempre filmes diferentes que o cineasta faz em volta das suas obsessões pessoais, simples e elementares.
    E o mistério maior continua a ser aqui o estilo seco e consistente do cineasta, centrado em planos longos e fixos, levados até à sua saturação, ao seu limite. E um elegante movimento de câmara, mesmo se longo e até ascendente, permite ocasionalmente manter a lógica do plano-sequência de forma original.
                      Our Sunhi (image 3)
    No fundo o cineasta permanece fiel a dois ou três motivos narrativos, a um ou dois princípios formais, e assim nos vai deslumbrando com os seus filmes, que era importante nos chegassem com maior regularidade e frequência pois ele é o melhor cineasta sul-coreano contemporâneo - sobre ele ver "Pintor de nuvens", 4 de Novembro de 2012, "Três vezes Anne", 10 de Junho de 2013, "O sonho inquieto", de 30 de Abril de 2014, e "De um dia para o outro", de 17 de Janeiro de 2016.      

sábado, 29 de outubro de 2016

O rio sem regresso

   Com "O Ornitólogo" (2016) João Pedro Rodrigues constrói um filme primitivo e belíssimo, que dá a melhor continuidade a uma obra cinematográfica já longa e de grande relevo entre curtas e longas-metragens, documentário e ficção.                
                      (Imagem: Divulgação)
   O início remete para "Rio Sem Regresso"/"River of No Return", de Otto Preminger (1954), para o que o cineasta chamava a atenção há tempos nos Cahiers du Cinéma, quando Fernando/Paul Hamy desce o rio numa canoa, no início de um percurso solitário em que vai encontrar primeiro duas chinesas, que o deixam amarrado e pendurado numa árvore.
   Mas o melhor de "O Ornitólogo" chega a partir do momento em que a sombra móvel das nuvens se desloca sobre a terra, na floresta com os mascarados que falam mirandês e o encontro fatal do protagonista com o pastor surdo-mudo, porque a partir daí sente-se também a presença de "A Sombra do Caçador"/"The Night of the Hunter", de Charles Laughton (1955), com o seu proposto bestiário simbólico.
                      ornit4
   Depois da estatuária religiosa, das amazonas que o atingem e o acordam, dos animais estáticos e deslocados e de Fernando se ter despojado dos seus escassos pertences, o final, com os duplos, é inesperado, justo e bem visto, levando-os a caminho de Pádua, onde se cruzam com as duas  chinesas do início, num percurso que tinha começado sob a égide de Santo António e no Caminho de Santiago.
    Com uma fotografia soberba de Rui Poças, um grande trabalho sobre os ruídos (a floresta, a natureza) e um grande actor, as referências de um erotismo religioso percebem-se e são inteiramente conseguidas, mesmo quando forçadas - a pomba branca que afinal não tinha partido uma asa.  
                      O Ornitólogo : Foto
   Escrito com João Rui Guerra da Mata, "O Ornitólogo" de João Pedro Rodrigues será o seu melhor filme até agora, com o seu percurso iniciático extravagante e fantástico, que junta o sexo e a morte com o despertar e o ressurgir. São assim inteiramente merecidos o reconhecimento e a divulgação internacionais que a sua obra está a merecer - sobre o cineasta, ver "Encruzilhada", de 30 de Março de 2013.

sexta-feira, 28 de outubro de 2016

Risco assumido

    "Talvez deserto, talvez universo", de Miguel Seabra Lopes e Karen Akerman (2015), é filmado na Unidade de Internamento Forense do Centro Hospitalar Psiquiátrico de Lisboa que funciona no antigo Hospital Júlio de Matos, com homens que sofrem de doenças do foro psíquico que levaram os tribunais a considerá-los inimputáveis.
    Também prisão, este estabelecimento hospitalar faz lembrar o Bridgewater State Hospital de  "Titicut Follies", o mítico e pouco visto filme de estreia de Fred Wiseman (1967), embora a intervenção do cineasta altere os dados do documentário, tornando-o excessivamente interactivo. Eu explico-me.
                    
     No seu citado filme de estreia à semelhança dos seguintes, Wiseman limita-se a observar com a sua câmara o que se passa diante de si, entre os guardas e os internados nesse caso, sem minimamente interferir. Ora neste filme português e brasileiro de Seabra Lopes e Akerman, que remete mesmo explicitamente para aquele precedente, algumas vezes uma voz masculina proveniente do espaço fora de campo dialoga insistentemente com alguns dos internados para os levar a falar.
    Com o seu ar estranhamente fechado, ausente, parado, entorpecido, os doentes aqui em causa, filmados com a maior atenção e o maior respeito pelos cineastas, por si próprios não dizem nada. Na sua aproximação cautelosa, os documentaristas ter-se-ão deparado com os limites do seu trabalho fílmico e, para os exceder, dialogaram pessoal ou vicariamente com alguns dos doentes.
                    Talvez Deserto Talvez Universo : Foto
    O dispositivo de vídeo-vigilância e os  manuscritos mostrados são sem problema e as imagens falam por si. Mas uma vez assumido o risco do diálogo com um interlocutor invisível, o que é em si um mau princípio, o filme lida com o seu resultado, que a meu ver nem sempre é o melhor. Duvido que o que se ganha compense o que se perde. Há casos que, também no cinema, exigem pensar não duas mas várias vezes. 
   Salvo esta objecção, "Talvez deserto, talvez universo" é um bom documentário sobre o mais árido e mudo dos mundos humanos.

O príncipe perfeito

    Neurocirurgião e professor catedrático de neurocirurgia, director do serviço de neurocirurgia do Hospital de Santa Maria, João Lobo Antunes (1944-2016) foi um dos fundadores da bioética como ciência em Portugal. Membro e depois presidente do Conselho Nacional de Ética para as Ciências da Vida e presidente da Sociedade Europeia de Neurocirurgia, foram-lhe atribuídos o Prémio Pessoa em 1996, o Prémio da Universidade de Lisboa em 2013 e o Prémio  Nacional de Saúde em 2015 entre outras distinções.
    Foi distinto em tudo o que fez, incluindo a escrita, em que se centrou na sua profissão, na sua experiência da vida e da morte, na ética e na arte. Com uma vastíssima cultura, nomeadamente literária, filosófica e artística, que enquadrava o seu saber especializado da neurocirurgia em que se doutorara em New York, sabia distinguir o bem e o mal, o certo e o errado com uma grande e rara inteligência. Era superiormente competente na sua profissão, sabia olhar, escutar e sentir o sofrimento dos outros e tinha um exigente sentido do dever.     
                    João Lobo Antunes 
   Figura maior da sua geração, o legado que deixa como neurocirurgião, cientista, professor, escritor e pensador é enorme e não deve de maneira nenhuma ser esquecido. Quando pensava nele pensava num homem sábio e bondoso, e quando penso hoje num homem sábio e bondoso continuo a pensar nele, surpreendido que fui agora pela notícia da sua morte.
   Sinto-me honrado por ter coincidido espacial e temporalmente com ele. Em momento da maior consternação, apresento a expressão sincera do meu muito sentido pesar à sua mulher, Maria do Céu Machado, filhas e netos, aos seus irmãos e restante família, enquanto me curvo respeitosamente perante a sua memória.

quarta-feira, 26 de outubro de 2016

Dilemas

   Argumentista de "The Hunt - A Caça"/"Jagten" (2012) e de "A Comuna"/"Kollectivet" (2016) de Thomas Vinterberg (ver "Contra a indiferença", de 17 de Março de 2013, e "O declínio do amor", de 29 de Agosto de 2016), o dinamarquês Tobias Lindholm é também realizador de cinema e autor do argumento dos seus próprios filmes. Dele estreou este ano em Portugal "Uma Guerra"/"Krigen" (2015), um filme curioso e interessante pelas questões que equaciona, se coloca e nos coloca.
                     
   Durante a guerra no Afeganistão, um comandante dinamarquês, Claus Michael Pedersen/Pilou Asbaek, dá ordem de fogo aos seus homens para os proteger, lhes permitir a retirada, com um ferido, e assim lhes salvar a vida. Sem saber que dentro do edifício alvejado estavam crianças.
   Acusado, passada uma hora de filme na frente, de ser responsável pela morte de civis, é submetido a julgamento por tribunal militar no seu regresso à Dinamarca, onde o esperam a mulher, Maria/Tuva Novotny, e os seus três filhos. 
                     
   A primeira questão que o filme levanta é se, com o conhecimento que tinha, o comandante Pedersen tinha legitimidade para naquele momento ordenar fogo sobre aquele edifício. Absolvido por causa do depoimento de uma testemunha, um dos seus homens que inventa o que diz para salvaguarda do seu comandante, a legitimidade dessa mentira é uma segunda questão interessante do filme.
   Cinematograficamente escorreito e sem complicações formais, com uma primeira hora quase toda ela desprovida de música no teatro de operações "Uma Guerra" confronta-nos com factos que o tribunal desconhece (que a verdade perante ele afirmada é uma mentira) além daquilo que ele vai apreciar, que inclui fotografias que o protagonista desconhecia. Como em Alfred Hitchcock, o espectador sabe mais que algumas personagens, tanto como outras. Sozinho no escuro, no final Pedersen pensa. 
                     
     Desçam das cómodas alturas cinéfilas em que se movem, da duração dos planos e dos movimentos de câmara aos actores sublimes, e vejam este filme e como ele, com ele pensem nas questões que em termos dilemáticos demonstrativamente coloca. Morrem na mesma, mas morrerão menos estúpidos.

terça-feira, 25 de outubro de 2016

Um problema complexo

    Imparável no seu ritmo de um filme por ano, Woody Allen realizou e escreveu "Café Society" (2016), filme situado nos anos 30 do Século XX entre Hollywood e New York que agora estreou entre nós.
                      cafesocietytrailer
    Percebia-se melhor se situasse o seu filme no seu próprio tempo, os anos 60/70, mas a sua "mania das grandezas" leva-o para a mítica "época de ouro" do cinema americano, fundadora de uma ideia importante do cinema, o que até faz sentido em quem já revisitou os anos 20 em "Meia-Noite em Paris"/" Midnight in Paris" (2011) com sucesso assinalável. Assim, a reconstituição a que procede envolve os grandes realizadores, produtores, actores e actrizes e os grandes estúdios pioneiros do cinema sonoro.
    Um sobrinho jovem, Bobby/Jesse Eisenberg, parte de New York para Hollywood onde está bem estabelecido o seu tio Phil Stern/Steve Carell, casado e que tem uma secretária, Vonnie/Kristen Stewart, que vai estar na origem de um problema complexo.
                    café-society-papo-de-cinema-03
   Numa família judia, o que tem mais graça são as piadas de judeus que envolvem Evelyn/Sari Lennick, irmã de Bobby, e Ben/Corey Stoll, o seu irmão mais velho (é pior ser assassino ou ser cristão? pergunta no final a primeira sobre o segundo, para o qual nenhum problema apresentara qualquer complexidade), bem tratados em termos de situações e de diálogos, secos e elípticos. O mais é melodrama xaroposo e previsível revisitação de uma época através de lugares-comuns, que confirma o espectador que pretende edificar sem minimamente o inquietar.
   O lugar-comum chega até ao pôr-do sol em Central Park, uns anos depois do regresso de Bobby a New York, que se salva, como todo o filme, graças à fotografia de Vittorio Storaro na sua primeira colaboração com o cineasta.
                    Cafe Society 1  
   A propósito do cinema americano poderíamos esperar e desejar mais e melhor do que o mero folclore hollywoodiano e judeu de época que o cineasta, arquitectura incluída, achou por bem aqui nos servir, mostrando que já conheceu melhores dias e melhores filmes.
   Sobre Woody Allen ver "Um americano em Paris", de 12 de Agosto de 2012, "Blue Moon", de 21 de Setembro de 2013, "O dom e o sinal", de 13 de Setembro de 2014, e "Um homem sombrio", de 21 de Setembro de 2015.  

segunda-feira, 24 de outubro de 2016

Separados

     "Fogo no Mar"/"Fuocoammare", o novo documentário de Gianfranco Rosi (2016), é um filme muito bom e bem calibrado sobre a ilha de Lampedusa, ao Sul da Sicília, Itália, e os refugiados que, provenientes do Norte de África e do Médio Oriente, a ela chegam aos milhares nas piores condições, como é do conhecimento de todos.
                    Fire at Sea (Fuocoammare)
  Na primeira parte, mais longa, sobre a ilha e os seus habitantes, em que a questão dos refugiados surge de diversos modos em toda a sua dimensão, com imagens especialmente impressionantes da identificação, da descrição das partes e classes dos barcos de transporte precário, clandestino e pago, da revista individual, e por palavras em que os próprios descrevem sumariamente o percurso feito até ali. 
  Mas numa linha narrativa específica então acompanhamos também o muito jovem Samuele Pucillo, as suas referências familiares, escolares, médicas e de brincadeiras com o amigo Mattias Cucina, que ensina a manejar a fisga, o que serve como comentário do quotidiano dos habitantes locais.
                   Fuocoammare-rosi
      Desta forma, em "Fogo no Mar" Gianfranco Rosi consegue uma distribuição de pontos de interesse que, sem se centrarem exclusivamente nos refugiados, mais para eles permitem chamar a atenção como aqueles que, separados e no limite da sobrevivência, arriscam tudo em busca de uma vida melhor.
      Sem se deixar esmagar pela magnitude da tragédia nem nos esmagar com ela, o cineasta proporciona todos os elementos de informação necessários, que mostra em toda a sua crueza. No final surgem, inevitáveis, imagens de um desembarque nas condições mais difíceis de quem a tudo se expôs na travessia do Mediterrâneo.
                   fogo no mar fuocoammare gianfranco rosi
    O ponto de vista, exterior, é sempre justo e bem sustentado. Se alguém pensar que é preferível um documentário com o ponto de vista dos refugiados que o faça, se puder, sem se limitar a criticar "Fogo no Mar", um filme sério, intransigente e muito bem feito que, integrando tudo o que pode, começa e acaba no silêncio de Lampedusa. E não me venham com a conversa estafada do "outro", de todo descabida quando o que está em causa é mesmo o "mesmo": a mesma espécie, a mesma humanidade, que nasce, vive e morre da mesma maneira.
    Escrito pelo próprio realizador, que faz também a fotografia, a partir de ideia de Carla Cattani, este é não apenas um filme muito bom mas um filme necessário em termos documentais, que se destina a mostrar mais de perto, em alto contraste, uma situação inadmissível por quaisquer parâmetros, que dura há tempo demais e perante a qual não é possível alegar desconhecimento ou mostrar indiferença. A ver de olhos bem abertos até ao fim e aconselhar em volta - sobre Gianfranco Rosi ver "Dispersivo", de 2 de Setembro de 2014.

quarta-feira, 19 de outubro de 2016

O discípulo e o mestre

    "Manoel de Oliveira, o Cinema e Eu", o mais recente filme de João Botelho (2016), permite ao cineasta prestar testemunho da sua relação inicial com o mestre e contar episódios desconhecidos do difícil trabalho deste, e essa primeira parte está muito bem.
    Mas na parte final o cineasta permite-se fazer em filme mudo e a preto e branco um projecto dos anos 30 de Oliveira, que este não pôde concretizar na altura por motivos censórios. Intitula-se esse projecto "Prostituição" e ao filme dentro do filme o cineasta chama "A Rapariga das Luvas".
                    Film
   Com muito por onde escolher na felizmente longa obra do mestre, Botelho faz nessa primeira parte deste filme as escolhas certas que conferem uma certa unidade à sua colectânea de momentos chave, emblemáticos. Saliento aqui os finais de filme - "Amor de Perdição" (1978), "Os Canibais" (1988), "Vale Abraão" (1993) e o verdadeiro final de "A Caça" (1963), aquele que foi escolhido pelo realizador.
   Ainda que esta selecção pessoal seja justa e louvável, acaba por ser o filme dentro do filme, com excertos do argumento como intertítulos, que constitui a grande invenção desta homenagem - e João Botelho faz então algo semelhante ao que tinha feito com "A Corte do Norte" (2008), baseado em Agustina Bessa-Luís, que José Álvaro Morais (1943-2004) não viveu o suficiente para poder filmar. 
                  
     No filme mudo e a preto e branco, elegantemente construído, surgem figuras do Porto conhecidas pela sua cumplicidade oliveiriana. O respeito e a homenagem ficam também neste caso muito bem, num filme que recapitula de forma feliz obras-chave do mestre. Do cineasta anuncia-se agora "Peregrinação" a partir de Fernão Mendes Pinto, em que desejo tenha melhor sorte que Paulo Rocha (1935-2012).
      Sobre João Botelho ver "Elogio do sensível", de 30 de Maio de 2013, "Grande fôlego", de 19 de Setembro de 2014, "Agora completo", de 19 de Outubro de 2014 e "Visita guiada", de 26 de Abril de 2015.

terça-feira, 18 de outubro de 2016

Pierre Étaix (1928-2016)

   Foi o mais importante actor e cineasta de comédia francês do pós-guerra a seguir a Jacques Tati, com uma personagem e um cinema muito diferentes dos dele mas ao seu nível. Também desenhador e ilustrador, artista de variedades e de circo, daí tirou o melhor proveito na construção dos seus filmes e das suas personagens em que se inspirava no cinema mudo - Max Linder, Buster Keaton, nomeadamente.
   Assistente de Jacques Tati em "O Meu Tio"/"Mon Oncle", teve o melhor da sua obra, incluindo três curtas-metragens - "Rupture" (1961), "Heureux Anniversaire" (1962), "Insomnie" (1963) -, centrado nos anos 60, com "O Apaixonado"/"Le soupirant" (1962), "Yoyo" (1965), "Entretanto Haja Saúde"/"Tant qu'on a la santé" (1966), "O Grande Amor"/"Le grand amour" (1969), em que contou com Jean-Claude Carrière como co-argumentista, e aí construiu uma personagem, Pierre que ele próprio interpretava, cheia de ternura e expressividade, desastrada mas sempre apaixonada.  
                            
    Fez ainda o documentário "Pays de cocagne" (1971) e "L'âge de monsieur est avancé" (1987), mais algumas curtas, duas para cinema e duas para televisão - uma de cada sobre Georges Méliès-, e o documentário "J'écris dans l'espace" (1989). Em 1971 tinha fundado a École Nationale du Cirque com a sua mulher Annie Fratellini.  
   Como actor tinha-se estreado em "O Carteirista"/"Pickpocket", de Robert Bresson" (1959), participou em "The Day the Clown Cried", de Jerry Lewis (1972), em "Max, Meu Amor"/"Max mon amour", de Nagisa Oshima (1986) e "Henry e June"/"Henry & June", de Philip Kaufman (1990), em "Jardins de Outono"/"Jardins en automne" (2006) e "Chantapras" (2010), ambos de Otar Iosseliani, e despediu-se em "Le Havre", de Aki Kaurismäki (2011) e "Chant d'hiver", de Otar Iosseliani, que ainda não estreou entre nós.
   A sua morte no passado dia 14 de Outubro foi completamente ignorada pela imprensa portuguesa. Aqui o recordo como grande figura do cinema, uma arte que Pierre Étaix honrou com a sua inspiração e o seu talento, reconhecido com a atribuição de diversos prémios importantes a alguns dos seus filmes.

segunda-feira, 17 de outubro de 2016

Labirinto expressivo

    Prosseguindo o seu trabalho de proximidade, simples na aparência com a sua utilização da câmara mini DV e feliz na sua forma de diário íntimo, Alain Cavalier realizou "Le Paradis" (2014) a partir do texto bíblico, que passou no Arte na semana passada.
                     LE_PARADIS
     As referências verbais reflectem na actualidade sobre esse texto, indo da Odisseia ao Novo Testamento, do mítico ao sagrado, enquanto na imagem surgem a natureza no seu esplendor, objectos heteróclitos em diferentes escalas e personagens avulsas, que falam, respondem e lêem directamente para a câmara - e esta parte visual impõe-se pela sua variedade e originalidade.
    Sem qualquer de retórica narrativa, as imagens são cativantes e surpreendem pela sua autenticidade, e as palavras fazem-nas assumir uma outra dimensão. A voz-off do próprio realizador, pouco mais que um sussurro, torna-se especialmente importante. 
                    
     Construindo um labirinto subjectivo visual e sonoro para o qual nos convida e através do qual nos conduz num movimento poético, Alain Cavalier continua em "Le Paradis" um percurso pessoal original e muito criativo - sobre este cineasta, ver "A construção da memória", de 14 de Setembro de 2013, e "Filmar o amor", de 9 de Novembro de 2013.

sexta-feira, 14 de outubro de 2016

As dores do amor

     Conheço bastante bem do Arte séries televisivas e filmes dirigidos por Dominik Graf, até agora só conhecido em Portugal por um filme, "Assalto ao Banco"/"Die Katze" (1988), apesar de ter começado no cinema nos anos 70, portanto ainda durante o "cinema novo" alemão. Tal ausência do nosso circuito comercial ficará talvez a dever-se a ele ter trabalhado mais para televisão do que para cinema.
    Deste modo, a estreia de "Irmãs Amadas"/"Die geliebten Schwestern" (2014) permite tomar contacto com o seu talento cinematográfico da melhor maneira, pois trata-se de um filme inspirador e muito bom sobre o poeta, filósofo e historiador alemão Friedrich Schiller/Florian Stetter e os seus amores por duas irmãs, Caroline von Beulwitz/Hannah Herzsprung e Charlotte von Lengefeld/Henriette Confurius, no final do Século XVIII, quando explode o romantismo com a grande filosofia alemã, ainda antes da Revolução Francesa.
                     irmas amadas
   Com argumento do próprio realizador, o filme trata de forma surpreendente uma relação triangular não só consentida como procurada pelas duas irmãs, ao ponto de uma delas, Charlotte, casar com Schiller para que ele se torne acessível a ambas. Dos cenários ao guarda-roupa e às interpretações existe uma clara preocupação histórica muito bem concretizada.
    A relação triangular estabelece-se a partir de uma correspondência epistolar muito bem filmada, com cada personagem falando directamente para a câmara, e culmina com o conflito entre as duas irmãs próximo do quarto do amado doente num belo momento de cinema. A evolução da narrativa devolve-nos ao convívio de um escritor famoso, que morreu precocemente com 45 anos deixando um filho a cada uma das suas amadas, num filme com uma realização segura e equilibrada, em que se destacam os planos mais longos e os silêncios.
                    
     Sendo embora uma história de época em que tom do tempo é dado de maneira muito feliz, é também uma história moderna num filme de grande qualidade graças ao seu realizador e aos seus intérpretes. Por histórias semelhantes passou por duas vezes François Truffaut - foi justamente em "Jules e Jim"/"Jules et Jim" (1962), que ele foi mais moderno, e ao tema regressou em "As Duas Inglesas e o Continente"/"Les deux Anglaises et le continent" (1971), sempre a partir de Henri-Pierre Roché - em quem este filme faz pensar. 
    Com fotografia de Michael Wiesweg, música de Sven Rossenbach e Florian van Volxem e montagem de Claudia Wolscht, "Irmãs Amadas" é uma nova bela surpresa do cinema alemão este ano entre nós. Já tinha visto no Arte e confirmei agora a boa impressão com que tinha ficado.

Andrzej Wajda (1926-2016)

   Depois da II Guerra Mundial, durante a qual participou na Resistência francesa, juntamente com Andrzej Munk (1921-19611) deu precocemente os primeiros sinais de um novo cinema polaco, um rumo em que seriam seguidos, entre outros, por Roman Polanski e Jerzy Skolimowski, Krzysztof Zanussi e Krzysztof Kieslovski (1941-1996).
                     https://image.tmdb.org/t/p/w780/sueg8tfhguyFEwAadEEpZ4mRSDV.jpg
  Estudou pintura e cinema. Opositor do regime comunista do pós-guerra na Polónia, tornou-se inicialmente conhecido com a trilogia "Uma Geração"/"Pokolenie" (1955), "Morrer como um Homem"/"Kanal" (1957) e "Cinzas e Diamantes"/"Popiól i diament" (1958).
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   A sua filmografia extensa e variada, ficou sobretudo assinalada por "O Homem de Mármore"/"Czolwiek z marmuro" (1977) e "O Homem de Ferro"/"Czolwiek z zelaza" (1981), numa obra muito relevante em que se destacam também "Tudo à Venda"/"Wszystko na sprzedaz" (1969), "Terra Prometida"/"Ziemia obiecama" (1976) ou "A Linha de Sombra"/"Smuga cienia", baseado em Joseph Conrad (1976), "O Chefe de Orquestra"/"Dyrygent" (1980), "O Caso Danton"/"Danton" com argumento de Jean-Claude Carrière,  ou "Um Amor na Alemanha"/"Eine Liebe in Deutscland" com Hanna Schygulla (1983), "Os Possessos"/"Les possédés", com  argumento de Carrière a partir de Dostoievski (1988). 
                    
     Numa obra extensa e rica em que se destacam os filmes em que escalpelizou a sociedade polaca, os seus filmes, modernos, tinham uma força estranha e um encanto raro que lhe valeram um lugar destacado no cinema do pós-guerra. Isto digo eu a partir do que conheço de Andrzej Wajda, cujos filmes deixaram de chegar a Portugal a partir de 1992.

quinta-feira, 13 de outubro de 2016

Bons ventos

    A eleição de António Guterres para secretário-geral das Nações Unidas é uma decisão avisada que elege o único candidato sério e politicamente credível para aquele cargo de topo, um cargo de enorme responsabilidade e exposição pública.
   Depois de ter sido deputado e primeiro-ministro português, ele foi durante dez anos Alto Comissário das Nações Unidas para os Refugiados com a maior determinação e o maior envolvimento pessoal, que o levou várias vezes a protestar contra a falta, o atraso ou a escassez dos apoios por si pedidos. Sempre em directo das frentes mais carenciadas e sensíveis.  
                      The head of the UN refugee agency Antonio Guterres said Sunday that while Europe's asylum system was dysfunctional, the migrant crisis was "manageable" if countries worked together.
     Conhecido em Portugal e em todo o mundo como um político conhecedor e altamente qualificado, a presente eleição significa a chegada de bons ventos às Nações Unidas. António Guterres é o homem certo para este cargo difícil neste momento muito difícil. Daqui o felicito pela sua eleição e lhe desejo que seja bem sucedido no exercício do seu novo cargo.